• Chinese Football -《Come Together!》 Vol.1+2

      【关于Come Together!】Come Together!Chinese Football & Friends这张合集收录了国足翻唱披头士同名歌曲的录音室版本,还有2015年巡演每站嘉宾乐队的一支单曲,由野生唱片和珊瑚唱片联合发行。更多动态,请关注微博@野生唱片
      Artists: Chinese Football / Oh!nullah / Emptybottles. / She Never Sings Our Songs / Future Orients / 谷水车间 / 花招 / Grace Latecomer / The White Tulips / LoveLetterTypeWriter / Sage of Time / Choked Zone / Fayzz / Noland / yourboyfriendsucks!

  • Chinese Football -《Chinese Football》

      Chinese Football是一支于2011年在武汉成立的独立摇滚乐队。
      冲出亚洲,走向世界,全力以赴,体无完肤。Chinese Football是一个无比真诚的玩笑,一个成立于2011年愚人节的真人游戏,他们是四个来自东方芝加哥的年轻人,他们是97一代国足的噪音遗产与97世代独立摇滚的回响余温。
      Chinese Football所有的作品都在讲述同一个故事:一个幻想及其挫败。这些简单/糅杂/流畅/生涩的音乐中充斥着说话(在蒸发)、梦想(在坍塌)、热血(仍未冷)、呐喊(怯意地)。
      这样一支令人崩溃的纠结体乐队自然也拥有令人崩溃的音乐源流与亲缘系谱:骨子里流淌着Envy/Fugazi的硬核热血,又在Jimmy eat world/Get up kids的陪伴下度过了矫情的青春期,想像Number girl/Cap 'n jazz那样一路横冲直撞,又难以割舍The Sea and Cake/Yo La Tengo般甜美旋律,但归根结底,他们仍是一支貌似高冷志在洗脑的热血流行天团。

  • Carsick Cars -《Live @ D22》

    Carsick Cars乐队成立于2005年的3月。 他们的音乐受到了the Velvet Underground(地下丝绒)、Suicide和Sonic Youth(音速青年)的影响,同时也拥有Steve Reich和Glenn Branca的质地和结构,混合着粗糙的咆哮和强硬的开放和弦,这使得他们优美的歌曲呈现出一种探索性以及破碎感。在爆炸性的噪音和回授中,这些歌曲在某些瞬间就能透露出它们的优美。 乐队成立至今,已经成为了中国地下音乐的标志性乐队以及最受国际媒体关注的中国乐队之一。在中国越来越多的地区,甚至在美国与欧洲,都有人讨论着这支年轻的乐队。
    在成立至今的十年多时间,Carsick Cars巡演的足迹遍及中国,他们的乐迷数量也不断累积,其中以生活在北上广并且注重生活品质的年轻人为主。2010年左右,Carsick Cars及同一时期成立的这批乐队们已经将自己的影响力扩大到更广阔的地域,在许多北上广之外的城市,受他们启发的年轻人们尝试创作自己的音乐,新的声音 不断涌现。即使在香港和台北这样音乐场景与大陆截然不同的地方,年轻的乐手们也开始关注以北京为中心的新音乐场景。在这样的背景下,Carsick Cars开始成为许多音乐人的榜样。
    这批音乐人的影响力并不仅限于国内。2006年,当时只有21岁的乐队主唱张守望受美国作曲家Glenn Branca之邀,参加了在纽约举行的《Symphony No. 13》演奏会。第二年,纽约传奇乐队Sonic Youth对外称Carsick Cars是他们最喜爱的年轻乐队,并且与他们一起进行了欧洲巡演。从纽约到柏林,再到世界其他许多*,Carsick Cars在海外巡演中收获了一众乐迷,美国及欧洲的乐手们也对这支来自北京的乐队称赞有佳。

    专辑曲目:

  • Carsick Cars -《You Can Listen, You Can Talk》

      在2007年推出其首张同名录音室专辑后,Carsick Cars乐队于2009年6月发布其第二张录音室专辑《You Can Listen, You Can Talk》。
      Carsick Cars可谓国内走红速度最快的独立乐队,同时也是近年来在国际市场上“老外”认同率最高的中国乐队。在这张专辑中,兵马司唱片邀请了来自纽约的著名制作人Wharton Tiers担纲制作。这张专辑中乐队尝试了更丰富的器乐演奏,所探讨的主题也更加广阔与成熟。
      正如专辑名所言,你可以听,你可以讲!
      播放时请增加音量。

  • Carsick Cars -《3》

      经历了成员的更换,Carsick Cars将这张历经磨炼的新专辑命名为《3》,它距离乐队上一张专辑《You Can Listen You Can Talk》足足过了5年的时间。作为乐队第三张全长录音室专辑,这支被誉为中国最好的噪音/实验摇滚乐队,以全新的阵容继续探索着传统摇滚三大件所能创造的各种可能性,在爆裂粗砺的噪音中寻找着比以往更加出动人心的旋律,同时又让这些看上去流行的调调与乐队先锋的本色保持着高度一致。而在歌词方面,《3》延续乐队一贯的作风,再次用敏感的眼睛观察着我们的城市,就像专辑的《围城》里面写的那样”你和他们来到城市里,而里面的人想要跑出去,自由是个长久的话题,却不知道该如何得到你“。
      为新唱片的录制,Carsick Cars远赴纽约录音,由两位传奇人物,“Spaceman 3”乐队的主脑Peter Kember(Sonic Boom)和来自“The Clean”乐队的Hamish Kilgour共同制作。乐队还与艺术家郭鸿蔚合作,专辑封面及内页中的画作全部出自郭鸿蔚之手,整体设计则由詹盼操刀,乐队对设计的重视也将这张专辑的感官维度扩展至了视觉层面。
      Carsick Cars第三张专辑《3》于2014年3月3日由兵马司唱片发行。

  • Carsick Cars -《Carsick Cars》

    偶然发现这张专辑,就被唱片的可爱封面吸引,拖了些时日,如今也终于来听 Carsick Cars 的音乐了。 电脑息屏听歌,《回授》听完以为结束了,上个厕所准备看电影,结果响起 Bonus《从鼓楼到新街口》,仿佛得到了听实体CD的惊喜……

  • 表情银行 -《狗日子 Dog Days》

    1.林艾舒:7.0分
    表情银行的这张新专辑《狗日子》发行于上半年的最后一周。不知什么时候国内唱片行业也需要冲业绩,包括卧轨的火车、鱼翅以及暴力香槟在内的多位大大小小的音乐人纷纷赶在二季度的末尾发行了自己的全长专辑。其中《狗日子》或是聆听之后,最让人感到欣喜的作品。

    此前凭借自制视频节目「德国乐迷看乐夏」一举出圈的表情银行,倘若急需向新来的粉丝证明自己的主业是“音乐人”而非“视频博主”,这张专辑应该能为他们洗脱冤屈。欸,不过稍等,我好奇,在当下的环境中当一位视频博主,难道不比做音乐人更挣钱?

    言归正传,专辑名“狗日子”乍看上去不像是优雅的表情银行会选取的意象。但它其实来自于欧洲的一个习惯用语的直译,英语即 dog days,德语为 hundstage,一般指代夏季最炎热的那段日子,但也有“倒霉”的含义。由阿尔·帕西诺主演的黑色喜剧电影《热天午后》,英文名为 Dog Day Afternoon,讲述的便是一个倒霉劫匪的荒诞故事。

    不过表情银行的作品听起来丝毫不“倒霉”,或许是希望通过柔和温暖的表达来调和现实的荒诞,反皆是一些顺畅、舒缓、精妙的悦耳流行歌。从乐队的同名专辑《表情银行》到《维他命D》再到这张《狗日子》,你可以明显地听出乐队的改变,以及他们花在歌曲写作上的细心巧思,让人感觉到国内的独立音乐的确有进步(表情银行勉强算国内吧)。我们大陆的音乐人前两年或许能赶上热度躺平挣钱,现在逐渐地看到了内卷迹象,作为乐迷的我们不妨当一回“资本家”,拍掌(以实际行动买票)鼓励说:卷得好。

    2. Liz16:8.1分

    破题似乎轻而易举,“人,人,狗”已经把叙事主体全员列出。举出“卧室音乐人”的名牌再将其投入部分“隔离”与“停止”的生活环境中,主题便自然而然地进入到自我挖掘与探索之中。落眼于室内,“人,人,狗”便是现实;落眼于两人,“安全降落”“温柔震动的宇宙”便是关系探索的呈现;落眼于个人,“小男孩”“重生摇篮曲”已是极为私人的书写作品;落眼于墙壁与窗口,“今夜,开窗通风”则体现着人与墙外/窗外世界的关系,是唯一物理途径,也是同自然的唯一慰藉。

    把“卧室内外”全部写遍写私人当作“向内”,音乐审美则无疑是体现在视频与音乐作品中的“向外”包容。追溯到乐队频道中的翻唱,可发现思宇人声处理方式的沿承;而器乐的编织更像是动机丰富的结果,各器乐如对话般地融入,长线条交织融合并发展,延续。不追求繁杂的“极繁主义”式“重拳”与爽感,此处多元素编织得轻盈自然且不失平衡。落实到“轻盈温暖”之处,则可从“小男孩”中和声组织的“小巧思”:从单方叙述到“我们会一起回家”的转变带来通通和声的加入;体现在“突破”与“用力”之处,“三头狗”依旧用细微声响的采样在开头形成“乡愁”式表达,边界内克制的音色音效则告诉你这只是卧室中进行的一次电子游戏,那开头的“乡愁”采样也变得目的清晰——音效是游戏卡带放入,过程则是借“三头狗”游戏进行的一次自我表达,是居家生活的真实组成部分,也是凝望游戏机时产生的人事追念。

    若只是东拿西取式的“拼贴”与“翻刻”,表情银行似乎无法完成如此一张精巧又独特的专辑。他们做的正如专辑简介末尾所说:“表情银行的自我发掘探索之路又往前走了一步。”是不避讳展现音乐审美的自我发掘与表达,也是在发掘中构建独特气质的向前或向后看——有《魔王》式的遗韵延续,有不同于《维他命D》的转换与发展,更有崭新的表达气质、内容与制作上的精进。

    3. 瑞甫:6.8分

    音色、编排和人声都很讲究,充满匠气,但与此同时也显得温吞,让人找不到共情的切入点。我听不到表情银行这个乐队应有的身份感,或者说学院派的出生也算是一种规训,让人在技术的海洋中找不到自己的独特性?

    4. Zzz:6.5分

    “合资”是很好的提升方式,表情银行就是一支音乐大部分由“外资”保障了质量与国际化的乐队,而最难得的是作为主唱的思雨是为数不多的没有过多“国际优越感”的女主唱,真诚又唱功优秀的vocal无疑是乐队的标志。不过表情银行一直的缺点也是所谓的“不明确”,尽管从ep《维他命D》开始,不论在音色还是编曲/旋律上都有更明确的精进,但依然还是pop音乐的通病——风格化不算特别明确,明显能感受到很多碎片、不统一的“潮流”和方向,欠缺深度与独特。但不管流行/独立与否,同样质量的音乐在大陆还是希望更多一些。

    5. Ziggy:8.7分

    从《维他命D》EP起,表情银行开始更upbeat,更注意丰富细节,喜欢为乐曲注入更多的变化。当然多数时候你仍能听到自早期秉承下来的Triphop,Downtempo抒情歌的基底,尽管在其上铺展出相当jazzy的器乐匠心几乎令乐队的风貌同早年相比面目全非。而“实验”的心思也被有机融贯于乐曲血肉之中成为情感表达的一部分,这也不是早年那种突然插入一首小品式《乒乓》的做法了。给好的音乐寻找reference是难的,他们也并不真的“像”,但我觉得他们对70年代西德精神的理解可能超越国内的模版泡菜模仿者许多许多。

    6. JoeZhan:8.5分

    继去年完全在家中DIY完成的《维他命D》之后,今年表情银行的这张全长专辑依然专注于COVID时代的城市人在身体受限下的种种感受。既有空间范围的逼仄和亲密关系的挤压带来的疯狂爱恨,也有在夜空里和晨光中望向窗外仿佛未曾改变的世界时的宁静遐想,在这两年的“drifting life”中,我们都因对现实时空的失望而唤起对往日的回忆,以及对瞬息全宇宙中那些alternate realities的寄托。而在这些关于小狗和宇宙的抒情诗之间,成为抽象媒介的还是虽然陈词滥调却又无可取代的“爱”——以“可是我爱你”为题眼的《安全降落》,可能是表情银行生涯中最能触动人心,也最有金曲潜质的单曲。

    在创作技法上,这张专辑的旋律在保持和声格调的基础上悦耳度更上一个台阶,词作也在天真和深刻之间接近着平衡。夹杂在其中的咏叹性段落让人想到了Father John Misty式的独立民谣,也贡献了这张专辑中让人第一印象最深刻的瞬间。尤其在《安全降落》中,制作上,乐队在上张EP的合成器探索之上又加入了丰富色彩的单簧管、bongo鼓以及Fiona Apple式的日常生活声响采样,通通保持在中文流行音乐影响之外的编曲均衡感,都为这张专辑保持了表情银行一向以来的广阔视野和细腻肌理。

    7. 后生阿豪:6.5分

    没有人应该去怀疑表情银行音乐里的独创精神。这张专辑中的每一首歌,即使打动不了我,歌曲中在编曲上的设计,甚至有时候是匪夷所思一般的设计,也足够让我把拇指从快进键上移开并继续听下去。这张专辑中原教旨般的原创精神,可以让每首歌轻易通过任何查重程序,如果所谓的音乐查重程序真的存在且是有意义的。然而,这样的原创执念如果执行到极端,难免会有本末倒置的效应。

    打动听众的创作方式有无数条路可以走,很令我自己感到惋惜的是,这张《狗日子》在每一条路上似乎都做了尝试,而每一条路都没能完全走通。无论是中英双语的歌词,还是隐喻与直意相互穿插的文字,再到天马行空一般的旋律走向和明显展现出功底的编曲与制作,虽然每一部分都有有趣的地方,但听完之后我只感到音乐本身的趣味,但无法感受到音乐与我有任何关联。创作者似乎并没有兴趣与我对话。

    当然,以上的这些讨论都不重要,只要表情银行在创作这张专辑的时候真的有乐在其中,且他们对于只有少数人能与他们的音乐产生共鸣这件事情完全预见且可以接受。我觉得艺术创作之所以会存在老掉牙般的定式,必定是因为这些定式在打动观众这件事情上经过了无数次的考验。如果愿意自己的音乐创作击中更多人,也许适当的中和未必是坏事。但唯一一个可以考虑弃掉的是英文歌词。这个创作表达的门槛真的比绝大多数中文创作者想象的要更高,即使是对于可以熟练使用英文交流的两位而言。

    8. 表情银行是AI吗:6.5分

    首先,表情银行作为现在为数不多依然在钻研“如何做出好听流行乐”的国内独立乐队,是值得给他们申请一个“非遗传人”称号的。

    其次,深夜聆听这张专辑,瞬间让我联想起雷光夏《黑暗之光》的美好,都是温柔细腻的气质型作品,雷光夏更偏于回顾生活的诗人回忆录,而表情银行则更像是一首波涛隐于背后的粗涩情诗。说粗涩,是因为表情银行的词曲能力一向不算突出,反而算是阻碍这只乐队前进的最大短板。词曲不够,编曲来凑,一直以来,表情银行的编曲在国内都算得上是独具匠心,刻意避免落入各种大俗套里,偶尔的灵光乍现,有点蓮沼執太フィル的味道,在编排及驾驭丰富音乐元素的同时尽力避免繁杂混乱,显得融为一体的轻巧灵动。但相较于蓮沼執太フィル的作品,在旋律和律动上,尤其是律动显得蛮呆的,尽管独具匠心,太匠气味也过重,缺乏自由自在、动起来的趣味感。

    思雨一直是我认为国内最会唱歌的女主唱,所以我一直对表情银行算是带有粉丝滤镜的。但很遗憾的是,表情银行一直没发挥出她的优势。我记得第一次看16mins(表情银行前身)的音乐节演出时,我就震惊于思雨的表现力,感慨这乐队怎么有这么个厉害的女主唱,特别是在小舞台被各种稀烂乐队演出糟心的情况下,思雨的歌声,堪称是天籁降临人间。之所以说没发挥出思雨的能力,是因为我再一次被思雨震惊到,是在发光曲线的《灰烬霓虹》中,思雨一开口我就开始搜创作人员表。思雨的声音充满沉稳的力量感,又聪明地将这种力量处理得隐而不现、即将爆发前的乌云压城城欲摧的状态,完美契合晦涩难懂、荒诞不经或曰不知所云、拆解表达的歌词,与整首歌里高昂的小号交错辉映,由此这首歌也成为我整张专辑里最喜欢的一首。之所以说表情银行没发挥出思雨的长处,还是回到了上一个问题,表情银行的songwriting能力确实是个短板,在很大程度上,思雨是依靠自己的人声在处理或掩盖旋律问题,不管怎么不好听的曲子或难搞的歌词她都能找到恰当的方式唱出来,听起来既不费劲,同时也隐约动人,要是换一个普通的主唱,表情银行的好听程度估计可以直接打个半折。

    所以这张专辑好听吗?是好听的。这种好听,是听了之后记不住的好听,如隔靴搔痒。我听了这张专辑几十遍,但并没有记住其中哪怕一小段歌词或旋律。每次点击播放按钮,都是一次全新体验(苦笑)。更严苛一点来说,这张专辑是没意思的,无法激发人不自觉的兴奋感,也无法令人获得强烈的满足感,就像我因为冲动消费而购买的一些好看物品一样,快递在家躺了很久,却一直连拆开包裹的欲望都没有。在某种程度上,他们这张作品,有点像目前引发争议的AI作画,是好看的,舒适的,富有包容度的,也能契合人们的日前诉求(抚慰人心),但归根到底,艺术服务的是人的问题,而不是技术的问题;是创造力的问题,而不是技巧的问题。

    然而,在目前垃圾成山的国内独立音乐环境里,还要什么自行车啊~~~

  • 表情银行 -《表情银行 MimikBanka》

      是时候出同名专辑了。《表情银行MimikBanka》是乐队自2017年从“16mins”更名为“表情银行”以来作品的集合。专辑与词人韦坤劼和李盆合作,不同的思维方式碰撞、融合、结晶。 《表情银行MimikBanka》写了城市和城市里人们的故事,关于困境、憧憬和爱。故事有的是别人的,有的是自己的。 ➢➢➢新歌主打《最后那只弓头鲸没有回头》 ⎾我们的城市生活,有在海面的时刻,也有在海底的时刻。浮上来时积攒温暖与氧气,沉下去时孤独而坚定。⏌ “知音难觅是正常的....没有必要像宠物一样遍地打滚,也没有必要像鬣狗一样结群吠叫。应该像鲸鱼,在深海里,孤独地遨游着,响亮而沉重地呼吸着,波浪翻滚地交配着,血水浩荡地生产着,与成群结队的鲨鱼,保持着足够的距离。” ➢➢➢轻灵浪漫《宇航员》 ⎾你还漂浮在城市天际线吗?你享受失重的感觉吗?你会有想要脚踏实地生活的那天吗?⏌ “宇航员——
      是跟自己独处时定下的秘语
      也是一对还未深刻的恋人,在星光下说起的俏皮话
      或者是酒鬼晃晃悠悠的睡乡
      和一段轻飘飘的局促人生。” ⎾越来越开阔,打消“风格焦虑”⏌,成团初始,表情银行就决定不要被既有“风格”拴住,这个原则一直维持至今。他们是一支属于未来的、不断好奇探索自己边界的乐队。他们的音乐大部分以Indie Rock为基底,融合了电子、Dream pop、Trip-hop等各种风格,新专里甚至听得到爵士和古典的影子。但“风格”从未影响表情银行自成一派的表达与气质。 ⎾超现实的,Post-Impressionism 后印象派的⏌,这是提到表情银行容易用到的形容词。其实表情银行一直在写现实,写他们生活过的城市与城市里的人,北京、杜塞尔多夫、台北、乌鲁木齐。但相较于白描,他们更享受细细勾勒,赋予音符微妙的情绪,在理性与感性的碰撞中叠加精美的和声与音色。他们音乐里的城市和人笼罩在光怪陆离的薄雾中,你可以在雾中放空,可以在雾中飞行,也可以在雾中思考。 表情银行是储存情绪的银行,同时你也能从那些精心安排的细节里看到他们的理性与缜密。 从未声嘶力竭过,他们在时代中低语,闪烁着星点火光。

  • 白象 -《如意里》

      白象是一支南京的乐队,最初组建于2014年。那时候的白象是贝斯手卡列宁与鼓手李文的二重奏项目,他们创作了一系列短小精悍高能量的器乐曲;间或有几首,卡列宁在其中加入了人声念白,读他写的小故事。再后来,“人声念白”这种方式居然柳暗花明打开了新局面。2016年的时候,白象改组成一个配乐朗诵五人组,目前的成员是:吉他:王非,贝司/合成器:于迪文,小提琴:解宁,鼓:李文,人声:卡列宁。由于音乐风格实在是难以归类描述,白象戏称自己是“成人音乐”。
      卡列宁是无浪潮/噪音摇滚“八眼间谍”的组建者之一。噪音摇滚之外,卡列宁也有一个更平易近人的分身,时常录制一些动听优美又有着恶搞趣味的民谣作品。尽管已经在南京住了20年,其实卡列宁和南京的音乐场景一直有些若即若离,却和这个城市的“断裂”文学圈(韩东、朱文、曹寇、外外、乌青……)走得很近。 “八眼间谍”也曾尝试过故事念白(他们有一首作品《大雨》,由于歌词原因没能收录在专辑中),白象对这种方式的尝试也并不让人意外。
      的确有一些旁门左道与不讨喜,不过这种形式还是可以在摇滚乐的许多支流中发现其脉络。艾伦·金斯伯格与威廉·S·巴勒斯都曾录制过配乐朗诵专辑(合作者多是先锋爵士与噪音摇滚乐手),更摇滚一些的案例还有吉姆·莫里森的诗歌朗诵专辑《美国祈祷者》(由大门乐队的另外三人编曲演奏),地下丝绒的《礼物》(收录于专辑《白光/白热》),尼克·凯夫的《巡回艺团》(收录于专辑《你的葬礼…我的审判》),都是此中佳作。相信它们在白象的音乐创作中都是很重要的参照,就像是韩东朱文曹寇等一众作家对于卡列宁的文学给养,来的同样重要。
      专辑《如意里》中包含了多个小故事。它们残忍、冷酷、生活化,又有着超现实与黑色幽默:落魄的女人,失意的中年,渗透到中国人日常血管中的网络品牌,毫无征兆的死亡。有着同样名字的人物在不同的故事中反复出现,仿佛昆汀·塔伦蒂诺与娄烨的电影被快速混剪。具体的故事情节在此就不多透露了,你应该亲自听一下(仅仅读一读歌词还是不够)。这里是南方的暗网,如意的暗面,再配上强力的冲浪摇滚吉他,抒情的提琴,氛围的铺陈,迷幻的布鲁斯摇滚与赖皮的说唱老学校,突如其来的转折与变奏 ……

  • 巴奈 -《停在那片藍 唱她的朋友 / A piece of Blue》

      關於 停在那片藍 //巴奈 唱她的朋友
      “人類的母語是詩歌,
      如同花園早於競技場 ,
      繪畫早於文字創作 ,
      演唱早於辯論 ,
      寓言早於論文 ,
      以物易物早於商業行為…” —J.G Hamann
      結束了城市中的流浪,巴奈搬回故鄉,在起點定居。台東,和台灣西岸城市隔著兩座山脈,位於菲律賓版塊的前端,屬於另一個隨著潮汐韻律呼吸舞動的次元。海岸山脈像側臥的美人,伸展著美麗的曲線眺望太平洋,由於美人與海洋日日相伴,山谷間的子民時常拉著手大合唱大跳舞。在此,巴奈的音樂生命以一種有機隨性但聚焦的方式展現獨特樣貌:參與部落歌謠採集、策劃東海岸音樂季、在都蘭舉辦音樂創作營。在東海岸這片台灣原生音樂的沃土上,浪濤聲的吹拂中,巴奈以自然農法耕耘撒種,讓更多呼吸著這片湛藍的朋友,多一種在情緒中穿游感受的方式。有別於上一張的自彈自唱,這張專輯中的歌曲皆來自和她同樣選擇在台東生活的朋友們,大部分的人是在音樂創作營中經過一百多個小時的共同探索後第一次寫歌。這些歌曲的畫面排在一起,像極了一張海邊生活風情畫。生活在太平洋前一個安靜的小村,在詩鄉裡,享受獨處時光的慢郎中們,在海洋的律動與歌聲中,聆聽著島嶼的古老脈動。探索的旅程中,大家在自己內在與外在取下了一些片斷,一起拼成了海邊生活的歌之版圖,月光、銀河、淚水、裙擺、蝸牛、記憶、夜風、啤酒、都蘭灣……

  • 暗花乐队 -《泪痕》

      暗花2022年首张专辑《泪痕》以暗潮的氛围、充满律动的金属节奏、流畅的吉他旋律、主唱极端嗓与清嗓之间无缝衔接的转换,包围感的弦乐烘托正式敲打你的耳膜。这支粤北金属乐队以成军5年来沉淀的诚意之作挑逗你对新派重型和老派金属的全新味蕾,在新金属、旋律死亡、工业等大框架下巧妙融合哥特、律动金属、电子等元素创造属于暗花的不拘一格。 专辑收录暗花从2018年转型暗潮旋律金属后的心血之作,收录5首从未发表新作《DNA》《无数暗花》《平凡无奈的一生》《金属行为》《泪痕》,首次精心录制发行录音版,两首已发表的老歌《荧光》《遗失的宝物》进行了整体升级重录重制,给大家带来更优质的听感。

  • AV大久保 -《大时代》

    从武汉这座老牌工业城市里走出来的乐队,多少都带有与这座城市类似的鲜明特色——武汉黑车大妈会因为你不坐她的车而给你一顿臭骂,而跟你约好聚会的朋友也绝不会因为瓢泼大雨而放你鸽子。这都是我的亲身经历,刚到武汉就立即感受到这座城市的豪爽、火爆与直接。

      亲历过武汉,就不难理解为什么上世纪90 年代这里会走出那么多朋克乐队。这一传统一直延续至今,重型乐队巡演到武汉,总会有不错的票房,就连深受京城音乐影响并在兵马司唱片发行新唱片的这支有着古怪名字的乐队也不例外——AV 大久保。

      有人将这支乐队的名字与饭岛爱(原名大久保松惠)联系在一起,这与AV大久保的歌词中充斥着的性意向不无关系,但这个名字的真正出处其实非常文艺——葛民辉的电影《初缠恋后的二人世界》。葛民辉阐述电影时说过一段话:“谈恋爱就像削开一个苹果,削开后就会腐烂变臭,不再是最初的那个苹果。拍电影也像削开一只苹果一样,一点点地铺开,一步步地期待,直到最后——屏息等待它腐烂抑或甜美。”这也成为主唱陆炎描述乐队风格时所使用的话。

      从音乐上说,这支立意“削苹果”的乐队的刀法混乱诡异,并不力求以某一特定的风格下刀,而是在舞曲朋克、英式摇滚、采样噪音等多个方面都动了手。再加上主唱时而柔情时而暴躁的嗓音,还有那些直白且令人脸红(某些人会)的歌词,你仿佛看见一只苹果在他们的手里分崩离析,至于最终你能从这些碎块里获得什么,是苦涩的核、坚硬的种子、无味的皮,还是汁水四溢甘甜可口的果肉,全都取决于你自己。

      对我来说,果肉是旋律。他们的《大时代》绝对是一张好听的专辑,可以将其形容为“美式滑板朋克与英式摇滚的综合体”。唱片整体既富有激情又重视旋律,可以凭此取悦大部分不太重视歌词的国内乐迷。“苹果核”是歌词,AV大久保的歌词辛辣凶猛,简单粗暴。他们的嗜好是将爱情描述为动作电影,其他方面也秉持了“爱之即抓,烦之即踢”的特色。苹果的种子是他们的精神。他们一直不离开武汉上京,因为这样独立自我,可以不受干扰,也希望就此冲出一条自己的路。唱片最初录制于2008年,可能因为录制时间太久而令一些歌曲的音色出现差异。另外,虽然乐队使用大量的电子音效和采样,对技术不足进行了弥补,但依然不能回避乐器演奏缺乏亮点的问题。

      今年3 月10 日,AV 大久保随同兵马司旗下Carsick cars、Pk14、White和小河一起赶赴奥斯汀参加South BySouthwest 音乐节。之后,他们将沿着美国西海岸进行为期一个月的巡演,在这之前,他们还参加了湖南卫视《智勇大闯关》节目并担任开场乐队,贝斯手左翼参加了闯关游戏。由这些行程看,似乎还是不能以传统武汉朋克的标准来定义AV 大久保。看起来,他们在认真削苹果的同时,还会时不时讲上一两个笑话。

    原载于《外滩画报》2010-04-01 总第 380 期

  • 阴三儿 IN3 - 《未知艺术家》

    从2006年起,来自北京的阴三儿逐渐成为了中国地下Hip-Hop一支异军突起的力量,四处表演和网络上乐迷的追捧让他们被更多人注视,也让很多本来不听中文说唱的说唱乐迷(如笔者本人曾经就是如此)改变了自己的想法,2008年,由陈浩然、贾伟和孟国栋三人组成的这个团体自主发行了他们的第一张唱片《未知艺术家》,从这个调侃Windows Media Player压制mp3时生成目录名的标题可以看出阴三儿的风格,而他们在专辑里也确实做到了嬉笑怒骂,皆成文章。
      紧接着的“黑”拍摄了MV,这首歌采样Mobb Deep的“Front Lies(Hell On Earth)”,还加上了缥缈的女声,阴暗的氛围很符合这首歌的主题——阴三儿痛快地说着他们对这个社会的看法,他们说出了很多人心里想而没有机会说的,这才是他们受到这么多人认可的最大原因吧。
      “老师好”是陈浩然的solo,据陈浩然在采访中说,这首歌是以他中学时期在学校受到的不公正待遇为素材的,自然这样真情实感的作品会在曾经当过中学生的我们每个人中获得强烈共鸣。话说回来,许多有自己的思想的中学生在那个阶段都会碰到这首歌中反映的问题。咱们的教育为什么一直在致力于把每一个孩子都“教育成一个样子”?这首歌的beat采用了当年2Pac干掉他所有敌人的那首气势澎湃的“Hit 'Em Up”,陈浩然的歌词实在是太逗了,听着这首歌能够从头乐到尾,乐完了还会陷入思考之中。阴三儿并不是仇视一切老师,只是有的老师实在是不值得获得尊重。歌曲末尾对MLGB的反复刮擦让这首痛快淋漓的歌有了一个有趣的结尾,虽然这首歌中的粗话不少,但却十分能反映那个阶段作为学生的心情,绝无粗俗之感。
      接下来的“我不管”是阴三儿表现对中国的Hip-Hop现状不满的作品,简单有力的beat响起你就会知道这是一首battle track,从第一句歌词阴三儿就充满了攻击性和愤怒,Hip-Hop在中国只有短短的几年历史,但已经掺入了太多不良的、虚假的东西。这首歌的歌词能让那些真正喜欢Hip-Hop的人点头称赞,第三段这段歌词如同机关枪一般,能量十足没钱没朋友”采用了Scarface“On My Block”的beat,跟原曲一样,这首歌也是描述北京日常生活的歌。陈浩然在这首歌中的演唱部分反映了他受到ODB的深刻影响,歌词也非常逗。“我们做人的原则非常的明确,不像大傻X”是阴三儿的宣言。
      “我又没说你”再次表现了阴三儿的态度,这首使用Biggie“Juicy”伴奏的歌是专辑中最精彩的作品之一,阴三儿说出了他们思想上的追求和对一些虚假现象的痛恨,这就是Hip-Hop的教育功能,阴三儿告诉那些不太明白说唱是什么的孩子什么才是说唱应该表现的东西。 

  • 黄色潜水艇乐队 -《不要说再见》

      关于“黄色潜水艇”,最让人熟知的也许就是The Beatles的那首名曲《Yellow Submarine》;但如果“黄色潜水艇”是一支乐队的名字,恐怕还极少有人了解。北京的“黄色潜水艇”就是如此的低调,甚至在网络上都找不到关于乐队的任何消息,就连乐队首张专辑《不要说再见》的内页介绍也只有短短的一句话:“黄色潜水艇”乐队成立于2002年10月,由5名经验丰富的乐手组成。
      关于乐队的历史有必要简单叙述一下,因为这会让你对他们肃然起劲。乐队五位成员都曾在重金属乐队金属乐队所有音乐专辑中历练,主唱肖杨曾在黑九月、夜叉乐队担任吉他手;主音吉他孔鸿参加过液氧罐头和AK-47乐队;贝司手成寅生和鼓手王磊王磊所有音乐专辑也曾同在液氧罐头乐队;键盘则是来自新疆的李志伟。从重型音乐到简单优美的音乐,其中变化的原委可能只有乐队自己知道,这可能是一种经历的沉淀,理想的升华,或是突然的感悟。放眼世界这样的蜕变并不在少数,Mark Knopfler(Dire Strait)、Richard Hawley(Pulp/Longpigs)、Sinead O'Connor还有Robert Plant(Led Zepplin)都是在自己的暮年开始寻求心灵的归位,民谣成为他们一致的选择。而作为仍旧还年轻的“黄色潜水艇”,他们选择了也许是无法给他们带来任何利益的道路,但是这样一张充满人文情怀,毫不做作的摇滚专辑有它存在的价值。
      乐队成员之前的音乐我们可以用重金属来定义,而“黄色潜水艇”的作品却似乎缺少了划分的界限,民谣?英式?还是……如果仍然疑惑,那就让我们简单地叫它音乐吧。如今国内的摇滚乐界呈现出百花齐放的事态,京城里一支支朋克、后朋克乐队的现场搞的歌迷们不亦乐乎;上海的噪音和电子则是大有与国际接轨的趋势,还有各地迅速冒头的后摇、小清新乐队也是吸引了不少歌迷,所有这些音乐都有存在的必要,每种音乐也能满足我们不同的需求,时下的音乐大多数是满足我们的发泄和狂喜,而真正的让人感动却了了。因此我们庆幸苏阳、李志、还有吴卓玲这样的歌手的存在,他们带给我们的才是真正的感悟,如今的“黄色潜水艇”也能让我们在平静中动心。
      很难从《不要说再见》中找出一两首最具代表性的歌曲,因为专辑中的十首歌曲一气呵成,最好的感受方法就是连续的聆听。所有歌曲都是关于流逝的时光、孤独的感受、赤裸的思念,还有现实的虚伪,这些普通人都会有的感触回给我们更多的共鸣。之前的历练使得乐队在器乐表现上游刃有余,优美的吉他Solo、沉稳的鼓点、流畅的贝司流线,还有合成器和民族乐器的运用也让音乐表达更加的丰富,而主唱始终如一沉稳的嗓音则是让听者将平静的气氛完全消化。《听》和《自由面对》中的笛声唤起了乡土的沉湎,民族音乐元素的加入让歌曲更加的深刻而让人回味;《时光》中合成器的运用正好切合了时光穿梭的空间感觉,飘渺的氛围感也很好地烘托了气氛,对于民族和现代音乐元素的到位把握体现了乐队技巧的成熟。专辑同名曲《不要说再见》中的吉他和鼓点则是很好的烘托出宏大的场面,其中仍然能听出乐队金属乐的痕迹。没有过多的炫技、没有古怪的想法,这就是“黄色潜水艇”的音乐,不要期望在他们的音乐中找出什么让你惊喜的发现,它能让你想到的只是一条远行的路,这条路你要自己一个人认真走完。
      《不要说再见》是一张真诚的作品,或许歌曲《昨天》还会让你想到The Beatles的《Yesterday》;或许歌曲的某些片段还会让你想起木马的悲伤或者是声音碎片的曲调,但这些都无关紧要,重要的是它能让你感动,哪怕是在不经意的时刻你偶然听到,它都让你静心聆听。音乐能做到像“黄色潜水艇”如此简单也是一种境界,你是不是也如我一样开始期望去现场感受“黄色潜水艇”的音乐呢?

  • 高旗与超载乐队 -《生命之诗》不插店演唱会

      10月29日的北京,内地摇滚乐再次开辟了一个新的时代。2005年,在许巍、崔健相继创造了摇滚高潮以后,一场小型的,但是意义丝毫不差、开创性更为突出的演出让我们激动。高旗与他的超载乐队在东方先锋剧场举行的其实可以称之为“音乐会”的“生命之诗”UNPLUGGED专场点亮了内地摇滚步入颠峰的街灯。
      当晚的演出可以说是群星云集。水木年华组合做为同门兄弟放弃了外地的演出专程赶来捧场。而郑钧、许巍、姜昕、黄征、羽泉组合中的羽凡、高晓松、阿朵等等明星也纷纷到场为超载助威。新声代乐队中的痛苦的信仰、天空、便利商店等同样做为铁杆代表早早来到现场。即使是因为演出而不能前来的重量级人物如崔健、沙宝亮、唐朝乐队等也全都录制了VCR来表达祝福。众星鼎立举“旗”,也预示着演出即将开始的精彩。
      整场演出的布置充满戏剧的味道。搭建很低的舞台,充满欧式复古的长剑、头盔,背景高高的吊桥、残垣,苍石、枯叶,在幽冷的灯光中显得极其凝重。而超载乐队歌曲的第一部分,从激情的《陈胜吴广》到悲情的《感受》、《距离》,从史诗般的《生命之诗》到充满幻想的《梦缠绕的时候》,音乐的厚重与歌词的冰冷被木吉他的颗粒重新诠释。而在演出舞台上方的窗口,欧洲贵妇与骑士造型的演员更让整个氛围充满神秘。而就在新歌《不要怪我》结束,乐队走回吊桥后的城堡时,整个舞台升起薄纱,空中飘散着红艳的玫瑰花瓣。瞬间的浪漫开始了演出的第二部分,《依靠》、《完美夏天》、《不要告别》……绚丽的灯光将薄纱映射下的舞台打扮得婀娜多姿。即使是象《如果我现在》这样冷艳的歌曲,依旧被重新的编配诠释得深情优雅。不可否认超载乐队的三张专辑为我们带来了全部的感触,更不可否认在这场全新的演出意境里,曾经的老歌再次被赋予了新的魔力。《生命是一次奇遇》因为吉他手李延亮的合唱而引得再次的欢呼。而《太空遨游2001》使得所有的座位彻底失去了存在的意义。和普通的演唱会不同,直到最后《每次都想拥抱你》的返场,现场仍旧座无虚席,几乎没有人提前离开。或许所有人都不想过早的离开这个永远留在历史镜头中的地方。
      一个疯狂的文化时代里,一个啼笑的音乐空间里,“生命之诗”固守了他的创造者所遵循的高贵与激情。高旗和他的超载乐队也为我们演绎着那与生俱来的浪漫与不羁。而2005年的乐坛在被浮躁的流行歌曲搅得毫无美感与力量时,终于依靠摇滚乐的全面复活而踯躅前行。

  • 沙子乐队 -《星星落在我头上》

      《星星落在我头上》是一张集锐利,浪漫,敏感,邪恶于一身的奇妙唱片,它在气质上所 体现出的独特与在音乐表现上的稳健娴熟及在歌词创作上的成熟犀利构成了一个稳固且超 然的三角关系。在这一点上,他们就足以拥有傲然的资本在国内涌现的新近乐队组合中, 还很少有人能做到这一点。这是一张很难用语言来确切评定的专辑,它传递给你的是一种 无法言说的感染,一种酒醉后的眩晕。似乎“沙子”的音乐在音乐之中与音乐之外所涵盖 的内容都己远远超出了我们仅仅所听到的感受,蕴涵于其中的是一种既简单直接又复杂纷 乱的矛盾状态下的情绪表达,你可以很真切地感受到那份生命力所给我们带来的强烈震憾!
      《我们目前健康向上的小理想》揭露着这个时代的年轻人所不愿面对但又无法回避的尴尬, 它把年轻人复杂矛盾的心态表现无遗,成为一首时代的青年之歌;尖锐隐藏于《膏药》荒 诞叙事的字里行间,一贯的沉重坚涩被直白近乎市井俗语的歌词分解成一下嘲弄,沙子所 坚持的态度与取向一览无余——他们不信能改变什么,所以宁愿调侃;长达十分钟的标题 曲《星星落在我头上》是整张专集中最“晕”的一首歌,它与酒有着直接的联系,你可以 认为这是沙子对生活的解析,也可以把它当作是一个“慢性酒精中毒者”的无谓唠叨,但 你不得不承认它的巨大感染力;《根本忘不了》,《再来杯酒》等中那些感情充沛的大段 吉他独奏和趣味昂然的RIFF既让空洞的金属吉它手汗颜又叫心虚的“技术无用论”拥 闭 嘴;而在《把它送给你》中我们听到了堪称中国摇滚乐里最动人的吉他弹奏和吟唱……
      《星星落在我头上》堪称华语摇滚的经典之作,是2000年最值得我们期待的一张唱片,它 甚至于让人已经开始迫不及待地想象沙子的第二张专辑了!

  • 指南针乐队 -《回来》

    这张专辑实际上是一张精选专辑,基本都是第一张专辑的歌曲

    指南针乐队成立于1990年,乐队前身为“黑马乐队”。1991年从成都至北京发展,后易名为“指南针”乐队,意喻乐队对音乐永恒的热爱以及对音乐理想的不懈追求。他们是一个团结、融洽而可爱的集体。聪颖顽皮而极具天赋的主唱罗琦,技术全面的吉它手周迪(乐队的灵魂),音乐修养资厚的键盘手郭亮,浑身都是节奏感的鼓手郑朝晖,性格文静而诙谐的贝司手岳浩昆和萨克斯手苑丁组成了最早的指南针乐队,是当时摇滚乐坛唯一一个非北京籍摇滚乐队(除罗琦外其他成员都是四川人)。

  • 痛仰乐队 -《今日青年》

      痛仰专辑封面依旧是标志性的哪吒造型。新专辑总共收录了11首曲目,包括此前陆陆续续发布的四首单曲,其中专辑同名曲《今日青年》是痛仰的一首传唱已久但始终未正式发布的老歌,此番经过重新编配作为主打曲目呈现出来。这也是痛仰2015年签约摩登天空之后的首张专辑。

  • 木马 -《Yellow Star》

      木马乐队是摩登天空旗下最具“摇滚英雄”特质的后摇滚乐,被誉为“中国最低调的乐队”。
      《Yellow Star》是木马继1999年末发表首张同名专辑后的最重大举动。这是木马乐队的首张EP,同时也是国内乐队首次出版EP唱片。其中全部作品均采取同期录音,更邀请到澳大利亚知名录音师郭劲刚先生担纲制作。主唱木玛认为同步录音更能体现摇滚乐的特性,而且“用这种方式录音更容易释放它的力量”。这张EP应该算是木马乐队衔接其首张专辑与即将开始制作的第二张专辑的一个过渡,其中所收录的六首作品风格各异。

  • 木马 -《木马》

    年轻的哥特乐团“木马”在未出道之际,便已倍受圈内人士关注,其首张专辑推出后,乐队更受瞩目,已成为年轻乐队中独树一帜的一队。他们的首张专辑集合了众多低调音乐元素,无论是歌词还是旋律,都透出了梦幻般的超现实主义气质,而其编配手法的标新立异,更成为“木马”的独家特色,专辑中可找到几首类似“激进摇滚”的长篇佳作,令人耳目一新。
    从这张专辑的第一首歌“犹豫”起,便发觉“木马”的音乐很象 Joy Division,不仅音乐像,连主音歌手的嗓音也有几分相似。但有一点又明显不同,Joy Division 的歌曲一般比较简短,而“木马”却长于铺排,从 5、6 分钟到 15、6 分钟的曲子在这张专辑中占了相当高的比例,长曲成了“木马”的特色。
    “舌头”的歌曲主题多半是属于社会层面的,而“木马”基本上着眼于个人的情感体验和对个人内心世界的发掘。虽然都是后朋克风格,但创作的着眼点和音乐感觉颇不相同。“木马”的音乐情绪化的成分更多一些。
    “木马”的音乐世界是低调的、黑色的,充满了挫折感。主音歌手木玛的嗓音条件并不出色,但不缺乏音乐感觉,尤其是表现那种令人窒息压抑感,特别真切,特别到位。
    整张专辑中当数“犹豫”、“沙滩行走”和“没有声音的房间”最为出色,最被人欣赏。曾经收入《摩登天空 3》合集中的“没有声音的房间”,表达的情绪特别绝望。其中的吉他和鼓的处
    理给我留下很深刻的印象,很有特色。其实吉他和鼓出彩的地方还是比较多的,但主音歌手的演唱却有一定的局限性,象“舞步”这类节奏稍快的歌显然不是他的所长;在“犹豫”中变换音色,也嫌有点突兀。